"Me parece que esto no es Kansas", le dice Dorothy a su perro en 'El Mago de Oz' de 1939, mientras camina descubriendo un decorado de fantasía en el que sin darnos cuenta, nos encontramos inmersos. Desde el primer boceto hasta la construcción de los sets, el diseño de producción para filmaciones requiere de un cuidadoso detalle para dar realmente vida a las visiones y transportar a los espectadores.
En esta combinación de creatividad, investigación y colaboración, diferentes diseñadores de producción se nos han acercado para contarnos sus aventuras y procesos de diseño. La importancia de crear un aspecto visual integral, entender el lenguaje, los estilos, y traducir todo esto a la pantalla, se reúnen en la siguiente serie de 8 entrevistas que realizamos con Annie Beauchamp, Luca Tranchino, Felicity Abbott, Jacinta Leong, Alexandra Schaller, Ina Mayhew, Amy Lee Wheeler y Stefan Dechant.
Annie Beauchamp: el aspecto visual
"El trabajo de un diseñador de producción ayuda a impulsar la trama", dice Annie Beauchamp. Ella es una diseñadora de producción que me contactó por sorpresa después de leer un artículo sobre la serie Black Mirror y el futuro de la arquitectura - algo emocionante ya que ella estuvo a cargo del aspecto visual en Striking Vipers, el primer episodio de la quinta temporada. Más impresionante aún es su amplia experiencia trabajando en numerosas filmaciones como Sleeping Beauty, The Yellow Birds, Adoration, Top of the Lake China Girl, LEGO Ninjago y como directora de arte en nada menos que Moulin Rouge.
"La primera lectura del guion es un proceso muy instintivo y trato de permanecer abierta al material, imaginando los personajes y los entornos con la emoción y el subtexto a la vanguardia. Cada guion es muy diferente y esto me da una licencia para jugar, inventar y crear ideas específicas para cada uno. Primero, empiezo a pensar en formas de diseñar y hacer algo con lo que en la superficie no parece ser tan interesante. Comienzo con el guion y luego empiezo a investigar. Pienso más en crear configuraciones que creen armónicos sobre lo que se debe sentir más de lo que se debe ver en estas etapas iniciales. Luego creo un libro de referencias visuales. Soy muy orgánica con este proceso. Algunas imágenes son marcadores de posición, otras por sensación o estado de ánimo, algunas consideran temas de diseño y paleta de colores y otras son ideas para el director o el director de fotografía". Lee más sobre su proceso, aquí.
Luca Tranchino: el lenguaje del diseño
"El diseño de producción usa el mismo lenguaje que la arquitectura", comenta Luca Tranchino, diseñador de producción reconocido por su participación como director de arte en Pandillas de Nueva York, El Aviador, Hugo Cabret y Prince of Persia. Es decir, películas que fueron diseñadas para transportarnos a mundos mágicos e históricos.
"Creo que el diseño de producción utiliza entornos arquitectónicos para expresar un estado emocional, investigando las implicaciones psicológicas del mismo. En comparación con la arquitectura, el diseño de producción es más como mirar dentro de nuestro subconsciente. Nuestros recuerdos, nuestros sueños y miedos más profundos. Usando el espacio, el color, la textura, los gráficos y los símbolos para llevar a la audiencia a otros mundos y hacer que se relacionen con ellos. De alguna manera, diseñar para una película o una serie de televisión es similar al trabajo de un actor que tiene que ponerse en el papel de otra persona, a veces de otros períodos u otras culturas. El diseñador de producción tiene la libertad de usar y reinterpretar la arquitectura de varios estilos, períodos o geografías. Para cada proyecto, hay muchas variables y requisitos diferentes, y los temas a menudo son muy diferentes: desde histórico, a fantasía, a ciencia ficción, etc. Por ejemplo, para una tarea específica, es posible que deba expresar una sensación desagradable, tal vez a través de un corredor opresivo y laberíntico, que recuerda a una pesadilla, o tal vez espacios inundados de agua, sucios, desagradables. No hay límite; puedes construir estructuras consideradas imposibles para las leyes de la física o introducir materiales que aún no se han inventado. El diseño de producción es la visualización de una idea, es como pasar a realidades paralelas cuando incluso lo imposible es posible". Lee más sobre su proceso, aquí.
Felicity Abbott: la arquitectura de pantalla
La diseñadora de producción Felicity Abbott estuvo detrás de la gran puesta en escena de The Luminaries, una miniserie que se desarrolla en la costa oeste de Nueva Zelanda durante la fiebre del oro de 1860.
"Considero el diseño de producción como una "construcción del mundo" narrativo. Interpreta la "poética" visual del espacio a través de la exploración de la emoción, el subconsciente, la memoria y la nostalgia utilizando el tono, el estilo, la paleta y la textura. El diseño del mundo de The Luminaries implicó la construcción de una amplia gama de arquitectura representativa de Nueva Zelanda de 1860. Desde hoteles de estilo gótico inglés hasta fumaderos de opio, pasando por casitas de madera y campamentos de policía. El diseño reunió diversos estilos arquitectónicos para crear una conexión emocionalmente resonante con el pasado; desde asentamientos chinos construidos con materiales orgánicos como la piedra, el helecho y el barro hasta ciudades mineras de oro, campamentos de tiendas de campaña y cabañas de corteza de madera en lo alto de los acantilados". Lee más sobre su proceso, aquí.
Jacinta Leong: la estética futurista
Jacinta Leong es una diseñadora de producción que disfruta con el proceso creativo y de colaboración que supone el diseño de entornos para las narrativas. Su trabajo en varias películas mira hacia el futuro, especialmente en relación con la tecnología en la sociedad. Fue diseñadora de producción en la película 2067; directora de arte en Alien: Covenant, Mad Max: Furia en el camino y Titanes del Pacífico: la insurrección; directora de arte asistente en Star Wars: Episodio II-III; y diseñadora escénica en Matrix, entre otros.
"Es interesante ver cómo el futuro se representa de forma diferente en las distintas películas; los guionistas, los directores y los diseñadores de producción tienen distintas visiones de cómo es el futuro. Y esa es la belleza de nuestro creativo arte cinematográfico. El cine puede decirnos cómo son las cosas, y también cómo pueden ser. Los Episodios I, II y III de La Guerra de las Galaxias fueron diseñados por Gavin Bocquet. Su objetivo era mantener el espíritu visual y la identidad de todas las películas anteriores de La guerra de las galaxias y, por supuesto, asegurarse de que el director George Lucas lo aprobara todo. Esto era importante para la continuidad de lo que era un mundo significativamente establecido, o en este caso, una galaxia". Lee más sobre su proceso, aquí.
Alexandra Schaller: la ciencia ficción
After Yang es una filmación de ciencia ficción escrita, dirigida y editada por Kogonada - el cineasta estadounidense nacido en Corea del Sur conocido por sus videoensayos sobre análisis de contenido audiovisual. La trama principal de la película sigue la historia de una familia que intenta reparar a su inteligencia artificial dañada en un mundo postapocalíptico conectado por la tecnología y la naturaleza. Alexandra Schaller, a cargo del diseño de producción y por lo tanto del aspecto de los escenarios, imaginó un futuro que traduce estas consideraciones: Desde la casa familiar que recupera el diseño original de una vivienda de Joseph Eichler de la década de 1960, pasando por la importancia del espacio exterior junto a un gran árbol que captura todas las atenciones, hasta cada uno de los materiales presentes que tuvieron entre sus consignas ser no desechables, renovables o biodegradables.
"En nuestras primeras conversaciones creativas, (el director) Kogonada y yo discutimos el mundo visual de la película que queríamos crear. La película está ambientada intencionalmente en un tiempo y lugar no especificados, pero el telón de fondo del mundo es un período postapocalíptico. La idea era que ha ocurrido una gran calamidad natural, la humanidad ha pasado por algún tipo de ajuste de cuentas y ahora estamos viviendo en un mundo con menos destrucción del entorno natural y más simbiosis entre los humanos y la naturaleza. Uno de los temas centrales de la película es la idea de conexión. Conectar con los demás, pero también como una meditación sobre nuestra propia conexión con el mundo que nos rodea, con algo más grande que nosotros mismos. Como se trata de una película bastante interior, tanto existencial como espacialmente, buscamos todas las oportunidades de diseño para incorporar el mundo exterior, a fin de reforzar la idea de interconexión". Lee más sobre su proceso, aquí.
Ina Mayhew: construir con respeto
Si no has visto Respect, recomiendo que lo hagas. La película biográfica dirigida por Liesl Tommy y basada en la vida de la cantante estadounidense Aretha Franklin nos transporta a la década de 1960 a través de una adecuada y pertinente escenografía. Aquí, la diseñadora de producción Ina Mayhew tuvo el trabajo de crear una serie de locaciones donde las paletas de colores indudablemente evocan más que emociones: su hogar suburbano de su infancia en Detroit, los atrevidos clubes de jazz de la ciudad de Nueva York, su lujoso apartamento en el Upper West Side y, finalmente, su casa ultramoderna en Los Ángeles.
"Comenzamos nuestras conversaciones sobre el estilo visual de toda la vida de Aretha. Al principio pensamos que debería ser de mal humor, con colores apagados, tomando como referencia fotografías de músicos y cantantes de jazz. Queríamos continuar con la paleta apagada de la época, de los años 50 y 60, para la vivienda de su infancia y las diversas casas y apartamentos en los que vivía. Pero después de más conversación y después de ver un par de películas (A Room With A View fue una), cambiamos de opinión. Decidimos hacer algo hermoso y comenzamos a investigar las casas exclusivas de celebridades negras. El padre de Aretha, C.L.Franklin, ciertamente fue eso: un célebre ministro en los escenarios más importantes de los derechos civiles y evangélicos. Decidimos mostrar la riqueza en la que creció Aretha. Destacamos el estilo acomodado de su casa. Considero que una de mis fortalezas como diseñadora —primero formada como pintora— es la adición de color, para evocar emociones. Y las características de esta época son mis paletas favoritas, con sutiles y ricos tonos de verde azulado, amarillos, naranjas, burdeos y azules profundos. El encantador estilo de mobiliario de las piezas modernas de mediados de siglo crea lugares donde los actores pueden realmente vivir a sus personajes". Lee más sobre su proceso, aquí.
Amy Lee Wheeler: los estilos icónicos
Amy Lee Wheeler es diseñadora de producción de "Las crónicas de Cucu", una serie de HBO que cuenta la historia de una niña y su familia de República Dominicana que emigra a Miami en 1985 - presentado una realidad cotidiana tras la inestabilidad política y económica del país. Al llegar, el "sueño americano" les lleva una sorpresa no grata tras encontrarse una ciudad materialista y preocupada por el status social.
"Crecí en los años 80, por lo que es fácil recordar los colores y estilos icónicos, pero nunca quisimos que esta época fuera "la broma", por lo que el diseño tenía que basarse en la realidad. Mis conversaciones con los creadores de la serie se centraron en diseñar entornos realistas que nunca compitieran con disfraces o accesorios, sino que tuvieran las texturas del vecindario de Hialeah Miami. Hicimos referencia a las películas de John Hughes para el tono y adquirimos una extensa biblioteca de libros y catálogos de referencia antiguos, pero la mayoría de los hogares no parecen en las revistas. Recopilamos fotografías personales de la infancia de la creadora del programa, Claudia Forestieri, y buscamos autenticidad en otros hogares de Miami". Lee más sobre su proceso, aquí.
Stefan Dechant: los entornos abstraídos
Stefan Dechant es un diseñador de producción con más de 25 años de experiencia en la industria trabajando junto a cineastas de renombre como James Cameron (Avatar), Tim Burton (Alicia en el país de las maravillas) y Sam Mendes (Jarhead). Recientemente, Stefan se desempeñó como diseñador de producción para la película de Apple TV+ 'La tragedia de Macbeth' dirigida por Joel Coen. ¿Por qué nos interesó esto? Porque tenía la tarea de crear 35 Conjuntos Abstractos en Blanco y Negro.
"En nuestro primer encuentro, Joel habló de que esta película no era una interpretación naturalista de Macbeth. Nunca quiso dejar de lado que el texto original fue creado para una presentación teatral. Al hacerlo, quería que las imágenes fueran de naturaleza teatral pero al mismo tiempo cinematográficas. Los entornos necesitaban ser abstraídos. Quería, "no un castillo, sino la idea de un castillo". Durante varios meses antes de que comenzara, Joel, Fran y nuestro director de fotografía, Bruno Delbonnel, habían estado trabajando juntos en lo que podría ser esta abstracción. Durante ese tiempo habían decidido que la película se rodaría en blanco y negro y que la relación de aspecto sería formato academia. También habían trabajado en el desarrollo de una colección de imágenes de referencia que iban desde fotografías arquitectónicas y pinturas hasta capturas de fotogramas de otras películas y algunas de sus propias fotografías". Lee más sobre su proceso, aquí.
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